LA LUZ
IMPOSIBLE
Nicolás Cadavid
Nada parece ser tan cierto en la vida de los seres humanos como la imposibilidad de acariciar, por largos periodos de tiempo, un clima de tranquilidad. Las razones son muchas y no hace falta citarlas. Basta con señalar que la desaparición del mundo, a la cual asistimos a diario mientras damos el primer paso fuera de nuestra cama, va dejándonos impávidos y preguntándonos si acaso todo esto tendrá sentido alguno. Esa respuesta, esa luz en medio del caos y la oscuridad, es la que de manera inconsciente se revela en el trabajo de los artistas presentes en “La luz imposible”, un proyecto curatorial desarrollado en el marco de la Feria Barcú 2020.
Marlon Fuentes, Alejandra Peñaloza y Carlos Hernández, son tres jóvenes artistas nacidos en Bucaramanga, quienes, a través de diferentes medios y estrategias creativas, encuentran en el pesimismo, el absurdo y la condición efímera de la vida, una forma de retratar nuestros días, sus contingencias, y las dificultades a las que nos enfrentamos para conservar la valiosa alegría.
Las siguientes entrevistas fueron realizadas a través de WhatsApp el 20 de agosto de 2020, en momentos en los cuales el distanciamiento social a causa de la pandemia por COVID-19 seguía perfilándose como la mejor opción para enfrentarnos a estos momentos tan extraños y complejos. A través de estos diálogos se busca construir un panorama más amplio sobre el trabajo, las motivaciones y las principales dificultades, a las que se enfrenta el trabajo desarrollado por tres de los artistas jóvenes más interesantes de la región oriental de Colombia.

ALEJANDRA PEÑALOZA

Alejandra Peñaloza nació en Bucaramanga en 1995, y en 2018 se graduó de la carrera de Artes Plásticas de la Universidad Industrial de Santander. Desde sus años de estudiante hace uso del espacio público como escenario para su trabajo. En 2019 ganó la beca de artistas emergentes de la Alcaldía de Bucaramanga con su proyecto Consecuencias, el cual exhibió en Casa Navegante, un espacio independiente de la ciudad.
Desde nuestro primer encuentro en los salones de la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S., hace unos 4 años, Alejandra demostró ser la artista más inquieta de su cohorte. Siempre interesada por poner en tensión los límites de arte, Alejandra se ha destacado por abordar, desde la orilla del humor negro, temas como el pesimismo, la derrota y la violencia, a través de medios como las publicaciones, el grabado, los GIFs, y las intervenciones en espacio público.
Mientras trata de encontrarle sentido a esta entrevista, Alejandra vive y trabaja en compañía de su gata, Pedro, en un apartamento del barrio Álvarez, al oriente de la ciudad.
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MARLON FUENTES

Marlon Fuentes nació en Bucaramanga en 1993. Es artista egresado de la Universidad Industrial de Santander y entre sus exposiciones colectivas más importantes se encuentran “Desaparecer de sí”, e “Interior-Exterior Imagen Regional 9”, ambas realizadas a través del Banco de la República sede Bucaramanga.
A Marlon lo conocí hace unos 5 años cuando siendo estudiante de la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S, buscaba acortar la distancia entre su gusto por el arte clásico, y el interés que despertaban en él las prácticas artísticas contemporáneas. A lo largo de estos años de diálogo, Marlon y yo nos hemos cruzado en diferentes proyectos ajenos al contexto académico, en los cuales dejó ver su rigurosidad formal y su capacidad para proponer reflexiones creativas en torno a la condición efímera de los acontecimientos que configuran el juicio humano.
Al momento de realizar esta entrevista, Marlon se encontraba confinado dibujando en el tercer piso de su casa en Piedecuesta (Santander) tras haber contraído el virus del COVID-19. Desde la soledad de una pequeña habitación, Marlon, así como su trabajo, se resiste al olvido.
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CARLOS HERNANDEZ

Carlos Hernández nació en Bucaramanga en 1993. Obtuvo el título de Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander en 2017 con el proyecto “Entes”. Ha expuesto su trabajo en diversos espacios de Bucaramanga, entre los que destacan la Alianza Francesa, el Museo de Arte Moderno y el Banco de la República.
Al igual que los otros dos artistas seleccionados para este proyecto, Carlos fue mi estudiante en la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S. Desde los primeros cursos que compartimos, Carlos se destacó entre sus compañeros por su gran capacidad para trabajar con diferentes materiales, y por mostrar un fuerte interés en re-pensar las posibilidades de la escultura, algo sumamente significativo si tenemos en cuenta la fuerte tradición pictórica que ostenta esta zona del país.
Heredero de una tradición familiar ligada al diseño de mobiliario, Carlos se proyecta como uno de los artistas más interesantes de su generación al tratar de conciliar dicho legado con formas digitales de producción.
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LUCES EN LA NOCHE

Un paisaje bañado de luz a punto de desaparecer; una pila de cabezas mutiladas; un puñado de pastillas para evitar perder la razón. Imágenes que se graban en nuestra mente y que, sin proponérselo, generan profundas impresiones que bien podrían compararse con la descripción de una nación en crisis. Sin embargo, más que un relato cruzado por una histórica ignominia, estas imágenes cargan con la difícil tarea de hablar desde la fragilidad que caracteriza la existencia humana.
Dicha fragilidad se revela a lo largo de estos diálogos cómplices y amistosos, junto a Marlon Fuentes, Alejandra Peñaloza y Carlos Hernández, tres jóvenes artistas nacidos en Bucaramanga quienes nos permiten comprender las motivaciones que subyacen en su trabajo, revelando así las razones por las cuales este ha venido cobrando significancia para la escena artística local. Formados en la única escuela de Artes Plásticas de la región, estos artistas han demostrado, a fuerza de un trabajo constante y reflexivo, que quizás no haya herramienta más divertida e inteligente que el arte para sobreponerse a la tristeza que genera el drama de la existencia humana. Esto último cobra incluso más sentido si somos conscientes de las condiciones en las cuales se ha desarrollado el trabajo de estos artistas.
Bucaramanga se proyecta como un escenario soportado sobre décadas de formación autodidacta por parte de sus artistas, y un desarrollo institucional apenas visible y con mínimo impacto en la consolidación de un campo artístico profesional. Por esto resulta significativo el surgimiento de la escuela de Artes Plásticas de la Universidad Industrial de Santander hace poco más de 20 años. Y aunque dicha escuela ha buscado ofrecer una posible salida a los problemas y vacíos acumulados por tanto tiempo, es necesario reconocer que sus esfuerzos por ostentar un rol protagónico y decisivo son insuficientes. El hueco del cual hay que salir es enorme.
Y es precisamente ante este panorama tan complejo que reacciona el trabajo de los artistas seleccionados. En un lugar en el cual los ideales suelen terminar aplastados por el peso de la realidad, Fuentes, Peñaloza y Hernández, han decidido entregar su vida al arte, y a partir de dicha decisión contribuir no solo a la evolución del arte local desde un apremiante recambio generacional, sino a pensar un mundo en el que a pesar de las contingencias que amenazan nuestra tranquilidad, sea posible distinguir pequeñas luces en medio de la noche.

ALEJANDRA PEÑALOZA

Alejandra Peñaloza nació en Bucaramanga en 1995, y en 2018 se graduó de la carrera de Artes Plásticas de la Universidad Industrial de Santander. Desde sus años de estudiante hace uso del espacio público como escenario para su trabajo. En 2019 ganó la beca de artistas emergentes de la Alcaldía de Bucaramanga con su proyecto Consecuencias, el cual exhibió en Casa Navegante, un espacio independiente de la ciudad.
Desde nuestro primer encuentro en los salones de la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S., hace unos 4 años, Alejandra demostró ser la artista más inquieta de su cohorte. Siempre interesada por poner en tensión los límites de arte, Alejandra se ha destacado por abordar, desde la orilla del humor negro, temas como el pesimismo, la derrota y la violencia, a través de medios como las publicaciones, el grabado, los GIFs, y las intervenciones en espacio público.
Mientras trata de encontrarle sentido a esta entrevista, Alejandra vive y trabaja en compañía de su gata, Pedro, en un apartamento del barrio Álvarez, al oriente de la ciudad.
[17:43, 20/8/2020] Nicolás Cadavid: Empecemos por el principio. ¿Quién es Alejandra Peñaloza?

[17:43, 20/8/2020] Alejandra Peñaloza: Creo que esta es la pregunta más difícil de todas. Definirme es complicado. Soy un individuo complejo. Pero podría responder diciendo cuál es mi profesión, cuantos años tengo, etc. ¿Hago eso?
[17:50, 20/8/2020] NC: ¿Qué la lleva a tomar la decisión de inscribirse en la escuela de Artes Plásticas de la U.I.S.? ¿Fue sencillo comunicárselo a sus padres sabiendo de los prejuicios que hay alrededor de esta profesión?

[17:55, 20/8/2020] AP: Siempre quise estudiar en otra ciudad. Intenté presentarme dos veces a Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Bogotá y ambas veces perdí el examen. Frustrada por mi derrota, decidí entrar a Artes Plásticas en la U.I.S. aprovechando que acababan de cambiar el pensum y prometía mejoras en la carrera. Mis papás siempre me apoyaron con la decisión. Seguramente pensaron que me iba a morir de hambre, pero igual me dejaron ser.
[17:56, 20/8/2020] NC: ¿Pero el arte era ya una elección? Es decir, fue algo obvia la decisión.

[17:59, 20/8/2020] AP: Sí, me interesan mucho diferentes campos del conocimiento como la física, la biología, la filosofía, la historia, la ingeniería mecánica, el diseño industrial, pero sí, el arte era una decisión un poco obvia. ¡Ay, qué oso! Si respondo cosas estúpidas dime. [18:00, 20/8/2020] NC: Jajaja, ok. [18:00, 20/8/2020] NC: ¿Qué percibía respecto a la carrera en esos años como estudiante? ¿Cómo la veía? ¿Fue un proceso gratificante o dejó un mal sabor en su boca?

[18:07, 20/8/2020] AP: Cuando entré a estudiar Artes Plásticas en la U.I.S. seguía siendo considerada un cursito de extensión de la universidad. La gente no sabía ni qué era ni que existía. Era una carrera que se mantenía en el anonimato y que no prometía mucho la verdad.
[18:08, 20/8/2020] NC: Y hoy después de un par de años como egresada, ¿piensa igual?

[18:14, 20/8/2020] AP: Si, pienso que fue una caca en muchos aspectos, pero tuvo cosas muy interesantes y chéveres. Hubo profesores mediocres y porquerías, y hubo otros muy buenos que aportaron mucho a mi carrera y a lo que pienso hoy. Creo que la carrera cada vez se hace notar más y cada vez entra más gente que seguramente va a cambiar la perspectiva que se tiene respecto a Artes Plásticas. El video es que la universidad sigue teniendo muchas fallas que no dan garantías al estudiante ni a su cuerpo docente, este tipo de cosas no la dejan progresar y hace que se siga viendo como el cursito de extensión que muchos decían que era.
[18:16, 20/8/2020] NC: ¿Y qué nos puede decir sobre su trabajo? ¿Cómo definirlo? ¿Qué certezas, aun siendo tan joven, tiene respecto a lo que hace?

[18:21, 20/8/2020] NC: ¿Hola?

[18:21, 20/8/2020] AP: Perdón.

[18:35, 20/8/2020] AP: Mi trabajo se sustenta más que todo en el dibujo y desde hace ya varios años que a través de él hablo sobre diferentes situaciones de mi cotidianidad. Todo esto lo he transformado en un lenguaje y por eso es el medio que más utilizo para expresar mis ideas y llevarlas a cualquier otra técnica que me atraiga. Aunque el grabado es una de las técnicas que más me gusta por su proceso, no me alejo de otras posibilidades de expresión. Últimamente tengo un fuerte interés por la cerámica y por procesos escultóricos ligados a la abstracción. En concreto mi trabajo refleja un interés en la compresión del individuo y sus comportamientos siempre enfocado en conceptos asociados al pesimismo, la violencia y la autodestrucción. Son conceptos que me interesan y que de algún modo me definen. ¿Sigo siendo muy joven? Yo ya me siento un poco vieja. Certezas no sé. Podría cambiarlo todo en algún punto o colapsar. Por ahora estoy intentando seguir investigando y resolviendo ciertos asuntos que me interesan y me ayudan a crear. ¿Debería preocuparme por el dinero? Hoy me alcanzó para comprarle comida a la gata, eso me tranquiliza.
[18:35, 20/8/2020] AP: ¡Qué oso lo del dinero, omite eso!

[18:36, 20/8/2020] NC: Jajaja, tranquila, normal.

[18:37, 20/8/2020] AP:¿Cuántas preguntas son? [18:38, 20/8/2020] NC: Como 10.
[18:42, 20/8/2020] NC: ¿Qué hay sobre el trabajo que ha realizado en espacio público? ¿De dónde viene la necesidad de explorar las posibilidades que brinda la calle? ¿Cuáles son las principales diferencias entre trabajar en interiores y trabajar en exteriores?
[18:51, 20/8/2020] AP: El espacio público es interesante porque básicamente obligas a la gente a ver tu trabajo y de algún modo a tomar partido sobre él. Es interesante jugar con el espacio que ya está dispuesto de alguna manera y adaptar las ideas a este. Trabajar en exteriores te da todo tipo de libertades, los únicos que te pueden censurar son los tombos, pero si sabes hacer bien las cosas puedes tener toda la libertad. Justo por eso mismo exige mayor rigor. Pero en general creo que es muy interesante y divertido por ser algo considerado como vandálico. Igual en interiores es muy chévere también porque limita la vista a un solo lugar y te permite crear un discurso totalmente diferente. Hace rato no pego cositas en la calle. Sin título (Vacas) - Rotulador sobre papel - Dimensiones variables - 2018 [18:52, 20/8/2020] AP: Nicolás, no me siento feliz con mis respuestas. Quiero sonar inteligente. [18:53, 20/8/2020] NC: Tranquila. ¿Seguimos?
[18:54, 20/8/2020] AP: Bueni. [18:57, 20/8/2020] NC: Creo que desde hace al menos tres décadas la personalidad de los artistas parece influir de manera mucho más evidente en el trabajo que realizan. ¿Cree que esto se deba a la proliferación de formas a través de las cuales el ser humano se comunica entre sí? ¿Qué tan presente está esta idea en el trabajo que usted realiza en el espacio público?
[19:05, 20/8/2020] AP: No creo que se deba a la proliferación de formas a través de las cuales el ser humano se comunica con otros, seguramente es algo que facilita el discurso entre artistas y receptores pero no creo que sea una influencia directa, el individuo siempre se ha preocupado por comprenderse y el arte siempre ha sido un medio de expresión que se basa en casi cualquier cosa. ¿Qué más sencillo que utilizarse como referente si somos nosotros mismos los protagonistas de nuestra cotidianidad? Por eso es tan tentador.
[19:06, 20/8/2020] NC: ¿Y qué piensa de las redes sociales? ¿Qué tanto influyen?
[19:10, 20/8/2020] AP: Las redes sociales han hecho que por medio de la saturación se pierda la autenticidad e importancia de un elemento o idea. Ellas funcionan como medio de comunicación rápido y efectivo. Generan otro tipo de presión en los artistas y las personas en general de cumplir con una demanda intensiva de creación y propuestas para satisfacer la instantaneidad. Personalmente creo que son útiles pero ese tipo de presión que generan, nos llevan de cabeza a la mediocridad o necesidad de aprobación inmediata que, a menos de que sea lo que se quiere, no aporta nada.
[19:12, 20/8/2020] NC: Hablemos sobre “Pasos para una segura auto-destrucción”, su trabajo de grado realizado en 2018. ¿Qué experiencias o ideas la llevaron a abordar temas relacionados con la auto-destrucción y el fracaso? ¿Es posible alcanzar el éxito por medio del fracaso?
Pasos para una segura autodestruccion - Publicación - 20.5 x 13.5 - 2018
[19:29, 20/8/2020] AP: En ese momento leí un poco a Cioran y me topé con “Memorias del subsuelo” de Dostoievski. Traté de aprender sobre la idea más básica de lo que es el ser, y resulté materializando todo esto en dos manuales que ilustraban una serie de pasos para una segura autodestrucción; esto porque todos sin excepción nos autodestruimos lenta en inconscientemente así que por qué no hacerlo de un modo consiente. Siempre se habla de buscar la felicidad y tener una vida agradable, pero ¿qué hay de malo en disfrutar el sufrimiento o acabar consigo mismo de un modo consciente y acelerado? La verdad no sé si es posible alcanzar el éxito por medio del fracaso, supongo que sí. ¿Qué tiene que perder un fracasado? Lo único que le queda es triunfar, jajaja.
Pasos para una segura autodestruccion - Rotulador sobre papel - Dimensiones variables - 2018
[19:32, 20/8/2020] NC: Claro, quedarse con una sola cara de la vida resulta muy sesgado, ¿no? Me refiero, obvio, a la idea de éxito que ha llegado a nuestras vidas para quedarse.
[19:33, 20/8/2020] AP: Ah, ¿sí? [19:33, 20/8/2020] NC: Pues eso es lo que intuyo por lo que me dice.
[19:35, 20/8/2020] AP: Claro. Pero me refiero a esa idea de éxito que ha llegado a nuestras vidas
para quedarse. ¿Cuándo llegó?
[19:38, 20/8/2020] NC: Siento que se nos exige todo el tiempo ser híper-productivos. El sistema laboral nos premia por eso y ante el premio somos felices. Por eso mismo me llamó la atención en su momento este proyecto. Recuerdo que al interior de cierto sector de la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S. surgió un extrañamiento ante este pues no operaba bajo esa lógica del éxito laboral que podría asegurar el graduarse de una universidad.

[19:43, 20/8/2020] AP: Jajaja sí, resultamos demasiado pesimistas. Claro, está mal visto sufrir. Me gusta mucho Cioran por eso; hace ver el suicidio como una idea consiente y aceptable, digna de ser considerada porque acaso quién no se pregunta por la razón del existir. Se nos obliga a creer que la respuesta a eso es positiva, que el mundo es bello y digno de ser vivido, pero la verdad es que inclusive lo jovial destruye. Somos inestables y finitos.
[19:44, 20/8/2020] NC: Revisando más a fondo el tipo de imágenes que produce, es evidente, salvo contadas excepciones, que el ser humano está en el centro de la discusión. Personas cayendo al vacío, rostros inconformes, cuerpos abandonados y mutilados. ¿Qué imagen o idea alrededor del ser humano busca comunicar con su trabajo?
[19:44, 20/8/2020] AP: Que quiero invitarlos a todos a matarse en mí próxima obra. Colectivamente, como las sectas religiosas radicales. Aunque hablando seriamente, quizás lo hago por cierta idea de fragilidad, inestabilidad, no sé. ¿Alguna vez te has puesto en la tarea de hacer consciencia de tu parte física? Darte cuenta de que tienes los órganos que los estudios biológicos dicen que tienes, la cantidad exacta de huesos, de venas, los litros contados de sangre y el resto de composiciones que te hacen humano. Esa consciencia es pura fragilidad, saber que cualquier cosa puede matarnos, que alguien o algo puede acabar con nosotros, eso me atrae. Por más interesante y transgresora que sea la consciencia y el conocimiento, igual somos un manojo de órganos que al más mínimo fallo pueden morir. Tanto nos creemos como especie y en realidad somos tan poco para el mundo.

Sin título (Cabezas) - Rotulador sobre papel - Dimensiones variables - 2017
[19:47, 20/8/2020] NC: Para finalizar, y tras haber trabajado en distintos escenarios de la ciudad, ¿qué impresión tiene del campo artístico de Bucaramanga en la actualidad? ¿Qué tan difícil resulta hacer arte en la ciudad?
[19:52, 20/8/2020] AP: Bucaramanga es rara. Es difícil dependiendo de lo que se quiera hacer. Me resulta difícil tener un concepto definido sobre mi ciudad. [20:09, 20/8/2020] NC: ¿Listo?
[20:09, 20/8/2020] AP: Sí, no sé qué decir de Bucaramanga. [20:12, 20/8/2020] NC: ¿Algo más por añadir?
[20:12, 20/8/2020] AP: Jijiji, la paz mundial. [20:12, 20/8/2020] NC: Ok.
 Principal Marlon Fuentes Carlos hernandez

MARLON FUENTES

Marlon Fuentes nació en Bucaramanga en 1993. Es artista egresado de la Universidad Industrial de Santander y entre sus exposiciones colectivas más importantes se encuentran “Desaparecer de sí”, e “Interior-Exterior Imagen Regional 9”, ambas realizadas a través del Banco de la República sede Bucaramanga.
A Marlon lo conocí hace unos 5 años cuando siendo estudiante de la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S, buscaba acortar la distancia entre su gusto por el arte clásico, y el interés que despertaban en él las prácticas artísticas contemporáneas. A lo largo de estos años de diálogo, Marlon y yo nos hemos cruzado en diferentes proyectos ajenos al contexto académico, en los cuales dejó ver su rigurosidad formal y su capacidad para proponer reflexiones creativas en torno a la condición efímera de los acontecimientos que configuran el juicio humano.
Al momento de realizar esta entrevista, Marlon se encontraba confinado dibujando en el tercer piso de su casa en Piedecuesta (Santander) tras haber contraído el virus del COVID-19. Desde la soledad de una pequeña habitación, Marlon, así como su trabajo, se resiste al olvido.
[16:59, 20/8/2020] Nicolás Cadavid: ¿Cómo se inició en el camino del arte? ¿Fue la escuela de Artes plásticas de la U.I.S. el inicio de todo, o previo a esta experiencia tuvo algún otro acercamiento a esta disciplina? [17:02, 20/8/2020] Marlon Fuentes: Mi primer acercamiento fue en mi niñez, observaba a mis hermanos como dibujaban, y poco a poco se fue creando la inquietud, la cual terminó siendo un hábito. A los 14 años tuve un encuentro con un maestro en el colegio quien me enseñó principios básicos del dibujo y la pintura. Pero fue con la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S. donde hubo un verdadero acercamiento, no solo formal sino también conceptual.
[17:03, 20/8/2020] NC: ¿Y con qué dudas inició sus estudios en esta carrera? ¿Con cuáles de esas dudas aún convive?
[17:10, 20/8/2020] MF: En ese momento, al iniciar mi carrera, mi interés era meramente técnico, no tenía idea en lo que me estaba involucrando. Precisamente, ese interés técnico, que era cómo mejorar mis dibujos, terminó siendo una cuestión más grande. Quería darles sentido a mis dibujos, de esta manera fui buscando nuevas formas para trabajar en ello. Sin embargo, fue algo que descubrí en la misma formación académica. Esto me ha permitido involucrarme en otras cosas, como el mismo proceso de la creación, los materiales y los temas más recurrentes. Hacer lo que hacía cuando era más joven y tratar de darle sentido. [17:12, 20/8/2020] NC: ¿Y logró finalmente darles sentido a esos dibujos?
[17:13, 20/8/2020] MF: Sí, en realidad siento que ahora hago un verdadero proceso creativo que no solo se queda en el acto de dibujar, sino que me lleva a pensar, a reflexionar y a cuestionarme. [17:14, 20/8/2020] NC: ¿Qué rescata de esos años de formación y qué preferiría olvidar?
[17:20, 20/8/2020] MF: Rescato el conocimiento que adquirí desde el primer semestre, porque desde un principio me plantearon la idea de hacer arte para mi tiempo. Fue una experiencia que me enseñó a ser una persona más creativa, a estar más atento de mi entorno, a explorar más materiales, y a ser más espontaneo. La verdad yo era una persona muy reprimida y solitaria, y precisamente el arte se convirtió en una forma de mostrar lo que tengo dentro de mí, de liberarme un poco. Yo creo que esa parte es la que quisiera olvidar: que existió un Marlon tímido y reprimido. [17:21, 20/8/2020] NC: A pesar de que su carrera recién inicia, el trabajo realizado a la fecha se antoja coherente y con unas posibilidades de desarrollo enormes. ¿Cuáles serían las características principales de su trabajo? ¿Cómo describirlo?
[17:30, 20/8/2020] MF: Mi trabajo hace uso del retrato, los objetos, los animales, y el paisaje. En realidad, esto es lo que me interesa. Sin embargo, esto me ha llevado a adquirir nuevas formas para desarrollar mi trabajo. El primero es el de la superficie, por ejemplo, dibujar directamente sobre la pared, o hacerlo sobre superficies desgastadas. Por otro lado, trabajo sobre las presencias, como una manera de representar lo que observo y que se queda en mi mente. Pequeños elementos, cosas, objetos que me interesan y me permiten hablar sobre temas más grandes y problemáticos como la memoria, lo nostálgico, lo difuso. [17:33, 20/8/2020] NC: Aunque el dibujo es el medio más utilizado, en algunos de los trabajos realizados a lo largo de su carrera es posible ver que lo escultórico se aborda, no solamente como técnica, sino también como concepto para referir a ideas tales como memoria o conservación. ¿Qué importancia tiene la noción de monumento en su trabajo? ¿Se relaciona con lo dicho recién?
[17:39, 20/8/2020] NC: ¿Marlon?
[17:41, 20/8/2020] MF: Se fue la luz. [17:42, 20/8/2020] NC: Vale, todo bien, sigamos.
[17:45, 20/8/2020] MF: Sí, todo está relacionado. Mis dibujos crean archivos, crean la presencia de cosas del cotidiano que pueden desaparecer si no se las registra. Con mis esculturas busco mostrar eso mismo, lo que hay en nuestro territorio y que poco a poco va desapareciendo, como sucede con el medio ambiente. [17:53, 20/8/2020] NC: ¿Cree que la serie de apologías a su padre y al artista van en esa dirección? Creo que en su trabajo hay una resistencia al olvido y por ende ese interés que manifiesta en torno al archivo.

Apología de mi padre - Grafito sobre papel - Dimensiones variables - 2018
[17:57, 20/8/2020] MF: Sí, me parece que mi padre es una persona con grandes historias, que no sólo lo involucran a él, sino a un colectivo y a una problemática que sucede en el país. Así que el solo hecho de pensar en la pérdida de dichas historias, es lo que me lleva a insistir en que estas deben ser documentadas, deben ser expuestas. Algo similar ocurre con la “Apología del artista”. No quiero que las miradas de esos artistas que dibujo se olviden, quiero que sigan presentes. [17:59, 20/8/2020] NC: Hablemos de “Manifiesto oculto”, su proyecto de grado el cual tuve el
privilegio de acompañar como director. ¿Qué lo lleva tomar la decisión de iniciar una serie de
recorridos por el Cañón del Chicamocha y a trabajar junto a una profesional del campo de la
biología? Además, ¿qué conclusiones obtuvo respecto al impacto que las actividades humanas han
tenido en este ecosistema?
Artificios naturales, del proyecto Manifiesto oculto - Video. 5:00 - Dimensiones variables - 2019 – 2020
[18:08, 20/8/2020] MF: Mi principal interés es porque hay un ecosistema que sin duda va extinguirse por completo. Nuestro medio ambiente no tiene otra opción más que desaparecer. El Cañón del Chicamocha va a ser afectado cada vez más por el cambio climático. Sobre esta base es que decidí trabajar con una bióloga para que me ayudara a entender más el paisaje, a comprender cómo funciona y cuál es la relación de los organismos con su propio ecosistema. Este proyecto termina convirtiéndose en un diálogo constante entre el arte y la biología lo cual me permite tener una mirada más amplia de lo que es nuestro ambiente próximo. “Manifiesto oculto” señala aquello que por razones sociales y culturales no tiene la atención necesaria y esto me lleva a querer explorarlo de manera más consciente. Artificios naturales, del proyecto Manifiesto oculto - Plasticera, yeso, alambre de cobre, alambre galvanizado y pintura acrílica - 50 x 50 x 50 CM - 2019 – 2020 [18:10, 20/8/2020] NC: En una serie reciente de dibujos sobre insectos usted parece hacer uso de la personificación para intentar trazar un panorama de la sociedad colombiana y sus prácticas políticas, entendiendo lo político de una manera ampliada. ¿A qué se debe esto? ¿Qué relación tienen estos dibujos con otra serie, también reciente, en la cual retrata políticos colombianos?
[18:14, 20/8/2020] MF: Los insectos que represento se relacionan directamente con la vida humana. Son plagas, factores de riesgo, antagonistas de nuestro entorno. Crean sus comunidades, a la medida que nosotros como sociedad le brindamos el sustento de vida. Se alimentan y reproducen de la misma manera como infectan y destruyen. Sin embargo, a pesar de sus efectos, son parte de sociedades perfectas, agrupadas, organizadas e igualitarias. Sus formas de convivencia les permite proliferar y ser parte directa de ciclos biológicos de gran importancia. Configurar la presencia de las plagas desde la representación, me permite abordar los comportamientos humanos desde premisas que aluden a la desigualdad, la vulnerabilidad y la muerte. Su relación con la otra serie de dibujos es precisamente porque estos personajes políticos terminan siendo nuestra propia plaga, nuestro problema. Cuando las moscas hablan - Grafito sobre papel - 48 x 48 CM - 2019 – 2020 [18:17, 20/8/2020] NC: Pero esa plaga también podemos ser los ciudadanos.
[18:19, 20/8/2020] MF: Sí, en efecto. [18:19, 20/8/2020] NC: Para finalizar me gustaría que me compartiera su opinión sobre el campo artístico en Bucaramanga. ¿Cómo lo percibe en la actualidad? ¿Qué queda por hacer y qué papel cree que juega su generación en este proceso?
[18:30, 20/8/2020] MF: Lo veo como un proceso que apenas se está desarrollando. En el pasado este proceso fue muy lento, como muy romántico. Ahora veo que está bajo la mirada de artistas que están trabajando continuamente en la idea de hacer del arte algo más social y participativo, y esto es lo que en parte impulsa a toda una generación de jóvenes artistas que quieren seguir con esta mirada renovadora. ¿Qué falta hacer? Bueno, por un lado, creo que la enseñanza del arte es un tema que hay que empezar a tratar en Bucaramanga. Los niños y adolescentes tienen una pésima formación del arte. Aun así, iniciativas como la Escuela Municipal de Artes, han empezado a generar inquietudes en ellos. Pero creo que estas cosas ya se están construyendo. Solo que hay que empezar a unirnos y de ahí salen nuevas iniciativas como lo fue la suya con “Galería LaMutante”.
[18:33, 20/8/2020] NC: Finalmente, un mensaje para el mundo.
[18:33, 20/8/2020] MF: Jajaja ¿En serio? [18:34, 20/8/2020] NC: Sí, jajaja.
[18:38, 20/8/2020] MF: Bueno, pues que tratemos de ser más tolerantes, y pensar en el otro. Colombia necesita ser más consciente de su pasado, pues veo que la gente olvida muy rápido y no se da cuenta de lo que hemos construido por nuestra cuenta. Y los que sobrevivamos a todo esto tenemos esa tarea de no olvidar porque va a ser un tiempo complicado. Se vienen años difíciles.
 Principal Alejandra Peñaloza Carlos hernandez

CARLOS HERNÁNDEZ

Carlos Hernández nació en Bucaramanga en 1993. Obtuvo el título de Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander en 2017 con el proyecto “Entes”. Ha expuesto su trabajo en diversos espacios de Bucaramanga, entre los que destacan la Alianza Francesa, el Museo de Arte Moderno y el Banco de la República.
Al igual que los otros dos artistas seleccionados para este proyecto, Carlos fue mi estudiante en la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S. Desde los primeros cursos que compartimos, Carlos se destacó entre sus compañeros por su gran capacidad para trabajar con diferentes materiales, y por mostrar un fuerte interés en re-pensar las posibilidades de la escultura, algo sumamente significativo si tenemos en cuenta la fuerte tradición pictórica que ostenta esta zona del país.
Heredero de una tradición familiar ligada al diseño de mobiliario, Carlos se proyecta como uno de los artistas más interesantes de su generación al tratar de conciliar dicho legado con formas digitales de producción.
[17:49, 20/8/2020] Nicolás Cadavid: ¿En qué momento el trabajo que realizaba en los talleres familiares lo lleva a tomar la decisión de iniciar estudios en la carrera de Artes Plásticas de la U.I.S.?
[17:52, 20/8/2020] Carlos Hernández: Creo que es bien particular pues yo decidí estudiar primero diseño industrial y aplicar esa experiencia que tenía en los talleres. Pero en solo dos semestres decidí encaminarme por el arte y de eso no me arrepentiré nunca. [17:54, 20/8/2020] NC: En esos primeros años de estudio, ¿Cuáles eran sus influencias? ¿Qué leía, qué miraba, qué escuchaba?

[17:59, 20/8/2020] CH: Siempre me interesó el arte latinoamericano. Conocía las vanguardias universales en el arte, pero me llamaba mucho la atención los surrealistas mexicanos como Pedro Friedeberg y el movimiento de Los Hartos. Eso me influenció mucho. Además, estaba siempre enganchado leyendo sobre absurdismo y textos de Albert Camus. A la par escuchaba rock latinoamericano. En resumen, Latinoamérica y su estética fue siempre mi interés primario. [18:01, 20/8/2020] NC: ¿Hay un momento, durante esos años de formación, en el cual usted se hace consciente de que realmente quería ser artista? ¿Cómo fue ese momento? ¿Tuvo que ver esa cultura latinoamericana que menciona?

[18:06, 20/8/2020] CH: Sí, y creo que se sumaron muchas cosas. Pasé de tener intereses artísticos a ser consciente de que quería dedicarme a ser artista. Todo el movimiento latinoamericano me influenció mucho, pero me di cuenta, no sé si por el hecho de venir de trabajar en talleres, que me gustaban mucho los movimientos underground de Nueva York y esas estéticas callejeras como el fileteado porteño, el pinstriping y el rotulismo. Creo que ese fue el detonante. Decidí ser artista llevando conmigo esa estética a la que llamo “obrera”. [18:07, 20/8/2020] NC: ¿Y cómo definiría el trabajo que realiza? ¿Cuáles son las principales ideas y formas de producción que emplea?

[18:11, 20/8/2020] CH: Es complejo definirlo porque es muy circunstancial. Abordo temas que me inquietan en el momento, pero me he dado cuenta que siempre hay dos argumentos presentes que son el absurdo y una estética popular en la que tienen prioridad los acabados industriales más allá del tema que aborde. Creo que eso es lo que caracteriza mi trabajo. [18:11, 20/8/2020] NC: ¿Y por qué lo absurdo, por Camus?

[18:16, 20/8/2020] CH: Yo creería que Camus es la base de todo. Luego está que mi manera de verme como artista y persona tiene esa postura del sin sentido de las cosas. Me encuentro bien con la manera de producir cosas que abordan temas sin sentido y que tienen la capacidad de generar más caos en el espectador que deducciones directas. Eso me gusta y me siento muy cómodo con eso.

Sísifo - Modelado e impresión 3D con filamento ABS - 45 x 45 x 13 CM - 2020 [18:17, 20/8/2020] NC: Hablemos del proceso de creación de sus obras. ¿De dónde vienen las ideas y cómo asume su desarrollo?
[18:21, 20/8/2020] CH: Yo produzco piezas por necesidad. Algo me inquieta, leo sobre eso, indago y se vuelve algo de lo cual solo puede salir una pieza artística. Comienzo a elaborar los procesos de desarrollo, y para eso es fundamental elaborar planes escritos como cuando en un taller se pinta un mueble: preparar, sellar, imprimar, lijar, etc. Así produzco. Yo hago un plan de libreta y paso directo a crear, y en el camino las cosas van tomando forma siguiendo el plan propuesto, pero permitiéndome también ciertas libertades.
[18:23, 20/8/2020] NC: Hay un trabajo del 2016 que en lo personal llama mucho mi atención, “Epicrisis”. ¿Qué podría contarnos sobre este trabajo, sobre las ideas tras él y sobre su materialización?

Epicrisis - Madera mdf y cedro modelada, lacas catalizadas - 70 x 70 x 40 CM - 2016
[18:28, 20/8/2020] CH: Las pastillas son como un lenguaje personal, siempre me han llamado la atención sus formas y su geometría. Además, tienen un contexto personal, las recuerdo mucho por el historial de enfermedades mentales en mi familia y encajan perfecto en ese contexto absurdo que me inquieta. Yo las cambio de dimensión, de color, y así se vuelven teman de conversación. ¿Qué hacen pastillas de ese tamaño y para qué sirven? Las pastillas mezclan aquello que me apasiona: el absurdo y elementos que la gente puede reconocer fácilmente. Además, su materialización es industrial pues comenzaron siendo bloques tallados con ruteadoras y sierras de carpintería, y ahora las realizo con impresoras 3D. [18:31, 20/8/2020] NC: ¿Y qué hay sobre “Entes”, su proyecto de grado de 2017? ¿Qué puede contarnos de él y qué certezas o dudas aparecieron tras su presentación en público?

[18:36, 20/8/2020] CH: En ese proyecto busqué ponerme el reto de hacer algo grande y con cierta dificultad técnica al aplicar todo lo que sabía del trabajo en taller. Básicamente son cuatro esculturas que representan una suerte de muebles absurdos que han mutado de forma a partir de una inquietud en concreto: si un mueble es un guardián de la intimidad, ¿qué pasaría si cobra vida a través de lo que esconde o posee? Además de afirmar el uso de técnicas industriales, creo que tuve muchas certezas y fue un proyecto exitoso del cual surgieron muchas formas que aún hoy en día empleo.
Entes - Esculturas en madera, metal, cartón, totumos, lacas catalizadas y de poliuretano - PIEZA 1. 100 x 40 x 30 CM - PIEZA 2. 155 x 33 x 30 CM - PIEZA 3. 90 x 70 x 60 CM - PIEZA 4. 230 x 40 x 50 CM - 2017
[18:42, 20/8/2020] NC: ¿Y por qué personificar muebles?

[18:46, 20/8/2020] CH: Lo objetual-industrial es algo que también está muy presente en mi propuesta. Casi que solo hablo o hago referencia a ese mundo de objetos que produce la humanidad, particularmente el mobiliario. Me preguntaba por qué en mí casa había tantos. Entendí que surgen de la necesidad de conservar la intimidad, de no dejar la ropa al aire, de atesorar objetos preciados en un cofre, o la basura en un cajón. Nuestro mobiliario venía de las manos de mi padre y yo lo ayudaba a fabricarlos relacionándome mucho con el tema.

[18:48, 20/8/2020] NC: En el trabajo de ciertos artistas jóvenes de Bucaramanga es posible distinguir tensiones entre una visión clásica del arte, consagrada al trabajo manual y constante, y una visión digamos actualizada, consciente del momento que atravesamos y de las herramientas tecnológicas disponibles, pero sobre todo con un fuerte deseo de problematizar una aparente forma correcta de hacer arte. ¿De qué manera se manifiesta esta tensión en lo que hace?
[18:53, 20/8/2020] CH: Actualmente eso me inquieta mucho. Creo que estoy haciendo ese tránsito de la factura manual modernista a formas de expresión más contemporáneas. Si bien crecí en medio de sierras, prensas y herramientas de carpintería, hace algo más de un año surgió esa preocupación de actualizar mis formas de producción y es así como compré una impresora 3D y empecé a hacer escultura digital. Me sumergí de lleno a estudiar las tecnologías de fabricación aditiva, que actualmente están en furor, así como materiales, softwares de edición y laminado. [18:55, 20/8/2020] NC: ¿Qué busca cuando se vale de impresoras 3D para producir piezas escultóricas? ¿Cuestionar la producción artística asociada a lo manual, señalar la inminencia de un arte post-humano, o simplemente probar nuevas maneras de producción en un claro gesto de experimentación formal?
[19:00, 20/8/2020] CH: Básicamente, es un tema de experimentación formal. Empezó como un gusto por buscar acabados de muy buena factura y luego me vi inmerso en un mundo muy complejo que exige que uno domine muy bien la máquina para que dé los resultados esperados. Además de esto, la infinidad de materiales con la que se puede experimentar permite un proceso que lleva al arte a una simbiosis directa con las máquinas. Finalmente hay un componente relacional muy interesante pues hay una comunidad que comparte en línea las piezas que realiza. Tarugos - Modelado por fotogrametría e impresión 3D en Filamento PLA - 11 x 11 CM - 2020 [19:02, 20/8/2020] NC: ¿Y qué ha concluido de trabajar a partir de la tensión entre lo análogo y lo digital? ¿Cómo se revela esto desde lo escultórico?
[19:07, 20/8/2020] CH: Es muy futurista, es algo que aún me asombra. Actualmente hago fotogrametría de mis proyectos escultóricos anteriores para volverlos esculturas digitales sobre las que trabajo y propongo estrategias de edición. Es extraño, es como un lenguaje que va de lo análogo a lo digital, y vuelve a lo análogo. Recién estoy tratando de entenderlo. Por fortuna tengo una formación artística que me ayuda a avanzar más rápido. [19:08, 20/8/2020] NC: ¿Ya finalizando, es pesimista u optimista respecto al campo artístico local? ¿Hay formas de trabajar en nuestra ciudad o no queda más que irse?
[19:16, 20/8/2020] CH: Nuestra ciudad es compleja. Los espacios dedicados al arte apuntan, igual que nuestra geografía, a desarrollarse entre una muralla de montañas modernistas. Pero como artista aún soy optimista porque conozco gente que trabaja de manera personal y es muy dedicada en pro de volver el arte más profesional y dotado de calidad. También conozco colegas y artistas jóvenes que tienen esa mentalidad de emprender propuestas diferentes, realmente atractivas. Al final es esa gente la que me mantiene el optimismo con vida. [19:16, 20/8/2020] NC: ¿Y frente al mundo del arte en general, es optimista o pesimista?
[19:18, 20/8/2020] CH: Soy de los que cree firmemente que el arte solo puede salvarse a sí mismo y en esa medida le tengo mucha fe. Hay infinidad de artistas contemporáneos con mucha calidad que están mutando con el mundo mismo. [19:20, 20/8/2020] NC: ¿A quién dedicaría este diálogo?
[19:22, 20/8/2020] CH: A mi papá. Siempre fue un alma creativa. Todo lo que hago es un reflejo de lo que me enseñó, de ese deseo de hacer todo por sí mismo. Eso me llevó a que mi salida siempre fuese crear para encontrar las respuestas que me planteo.  Principal Alejandra Peñaloza Marlon Fuentes